类型电影发展史

电影史上对类型电影的概念一直有不同的看法和分歧。在20世纪60年代之前，电影历史学家和艺术家将好莱坞类型电影视为根据固定模式批量生产的类似娱乐产品，而不是艺术作品..20世纪60年代以后，“作者论”认为一部好的作品背后一定有一个“作者”，并声称如果你没有看过一个导演的所有作品，你就无法真正理解他的一部电影。这种极端的观点只是对前一种理论的否定，它是为了表明美国电影类型这一概念的重要性。因为在他们看来，一部电影的成功往往得益于某种传统，而非导演的独特贡献。这与20世纪三四十年代的美国电影不追求艺术类型，而是建立类型电影的想法没有本质区别。

事实上，好莱坞类型电影在主题和主题、图像和符号、人物和情节、形式和技巧方面都是相似的比较。尤其是那些明星，当他们的角色被视为电影叙事欣赏的主体，吸引观众的注意力并夸大他们的才华时，人们就真的把他们理想化了。它们只是“静态的叙事媒介”，作为图像符号和体裁手势的体现，作为体裁形式的一部分，它们正在发挥作用。如果牛仔约翰·维斯、侦探亨弗莱·鲍嘉和强盗凯尼被允许出演音乐电影，他们肯定不会拥有弗雷德·阿斯泰尔独特的类型本质。然而，好莱坞类型片的规范化并非没有其积极意义。对于一些有才华的好制片人来说，是在一定的叙事形式和叙事语言中不断积累、改进和完善的过程。约翰·福特和希区柯克就是这样。这也是好莱坞能创作出一些精品的原因。对于观众来说，符合易于识别和熟悉惯例的类型电影是一种乐趣。在某种意义上，好莱坞将电影视为流行艺术的传统，而类型电描记术强调艺术家与其材料之间的关系以及材料与观众之间的关系。

尽管好莱坞类型片的制作和类型片概念的发展在一定程度上丰富了电影的叙事形式和叙事语言，但总体而言，好莱坞类型片的叙事模式仍属于戏剧叙事模式。类型片强调电影的情节取胜，人物关系从属于情节关系。电影叙事的发展是人为的和形式主义的，就像它的人物一样，是刻板的。好莱坞强调连贯的剪辑和时间与空间的流畅结合，以促进封闭因果关系的线性发展。电影的剧情和镜头也遵循着逻辑发展，试图营造时间和空间的连续性，从而得到观众的认可。封闭的结构模式导致了影片的大团圆结局，也决定了影片中人物和环境的假设性和非现实性。这种叙事模式也带来了一系列闭合的技巧和手段:画面构图的所有信息都集中在画面上主人公的中心；灯光在大厅中产生明亮的效果，将角色与真实环境隔离等等。“三镜头”方法作为好莱坞拍摄的一种风格化方法，将镜头交给谁说话，而不是观众的思维，让观众跟随故事并诱导观众简单地认同电影和角色的观点和态度。剪辑方法只是为了完成分割镜头的任务，并使影片平滑、连续和流畅以至于人们看不到剪辑的痕迹。这种流畅往往是线条之间的连接，所以声音也是封闭空间的表达。

所有这些都服务于一定的内容，赞美神圣不可侵犯的文化属性。景物和物体、人物和动作是稳定的，是一个不变的文化属性概念。正是这种封闭的态度造就了一个自满的好莱坞电影世界。让电影成为一种仪式，在观众眼中创造一个真实再现的幻觉世界。无论是在战争期间还是在大萧条时期，好莱坞总是为人们勾勒出神话般的、理想的或不存在的“真实空间”。