关于如何让艺术理解你的思考

9.21第一天

我对艺术的接触很浅，除了之前看过的梵高的《星空》和《呐喊》，就是《月亮与六便士》里提到的一些片段。

我看到的第一个印象深刻的片段是艺术的元素，包括色彩、线条、动态、造型、形式、节奏、空间、张力、隐喻。

在介绍中，我感觉我想去触摸它，触摸它，感受它。当我和它说话的时候，我也会问自己一些问题。

这本书的作者喜欢保罗·克利的《咆哮的狗》。其实我更理解的是他突然开始理解色彩饱和度和光感。作者用了很长的篇幅描述了一系列来自多个橙、白、绿、灰紫色的印象，以及心灵与灵魂的碰撞。然后，当我回去看圣母和圣安妮时，我实际上有了同样的感觉。就像戴上VR眼镜，每个画面都开始有了生命和呼吸。然后开启了一个全新的世界。

自从这本书的作者打开了一个全新的世界，他开始重新审视每一部作品，开始感受隐喻。我甚至说出了感受艺术的关键:“我意识到，观看和欣赏艺术的关键是放慢脚步，慢慢来，控制你的眼睛、心灵和思想...清空自己，完全敞开心扉...要有耐心，提出问题，详细体验作品，注意细微的细节和不同理解的可能性...艺术有它自己的语言。”

第二天9.22

艺术作品是一个活的有机体。

那么如何理解艺术的有机体呢？以《蒙娜丽莎》为例，这本书的作者花了很大的篇幅让你从点和线的运用来分析整个作品，包括光的作用和对其中蕴含的隐喻的解读，让你也能感受到每一件好的艺术作品都是有生命的，都是跳动的，都在于你的对话。

学会了观点和线条，我们可以看抽象了。

康定斯基是现代艺术的代表，什么代表？抽象，这本书的作者说，“抽象是现代主义的复兴”。无论是康定斯基的书《论艺术家的精神》还是《艺术家的修养》还是他的画《果断的弯》、《黑线》等等。他们正在用抽象来传达康定斯基的观点，即“艺术作品中的每一个图形和动态都对我们产生相应的影响，在身体上、情感上甚至精神上”。

对抽象有了一定的了解，就可以看一下了。

本书作者以马蒂斯的《爵士乐》为例，告诉我们多角度的观察和呈现。比线条更丰富，比抽象更动态。

最后，最后的视角是隐喻。有了隐喻，二维的视角升级为三维的空间。

“每一件艺术品都为我们提供了一个窗口或视角。展现在我们面前的是艺术家希望我们看到并大胆进入的独特世界。”有了隐喻，我们可以更好地理解三维空间。霍夫曼的《大门》和波洛克的《秋天的节奏》所传达的能量和层次、静止和运动，甚至声音都充满了活力，是一个有生命的有机体。

这本书的作者希望通过对有机体的解读，不断地达到某种认知体验，接近作品内置的哲学。这种体验只能用语言来表达，值得说“这就是艺术”

透过艺术的内心和精神，无论是理性的思考还是主观的感受，更多的是希望我们能够摆脱过去，以全新的视角去体验和感受艺术家自身想要宣泄和传达的情绪和内容，从而达到* * *。然后你会发现，也许这个世界上还有其他人能理解你的感受，或者和你感同身受，你可能就不会那么孤独了。

9.23?第三天

故事让艺术作品栩栩如生；故事让我们与艺术家“相爱”。

本书作者简要介绍了抽象的发展历史，从旧石器时代到中世纪的拜占庭到文艺复兴时期的具象化，再到抽象在现代艺术中的再发明和创造。

用蓝色构图，蒙德里安的经典，也是划时代的作品。本书作者深入剖析了这部作品的抽象意义，这部作品本身的故事，背后作者的故事、思想和感受。

被囚禁的撒旦有异曲同工之妙，不同的是背后的历史文化背景。这本书的作者似乎看到了献祭羔羊的血和撒旦的捆绑。这是一幅无限活跃的埃塞俄比亚手卷。

这本书的作者说，这两部作品“充满了一种魔力，一种电荷负荷，就像介入了一根带电的电线，充满了活力。”

我体验的最后一件艺术品是埃及金字塔，就像做梦回到古埃及，体验眼前发生的一切。这就是艺术的故事——连接的故事。

艺术是一个活的博物馆。

然而，有时候艺术是一个谎言。

为什么？这本书的作者一直在思考艺术是如何定义的。是出自艺术家之手的艺术吗？为什么像《春天》这样的作品会被拒绝，艺术和商业价值有什么关系？成品是艺术吗？

有时候，艺术家自己和公众都会被激怒。无论是马奈的《奥林匹亚》，对解散观众的蔑视，还是德库宁被抹去的作品对艺术本身的反叛，还是杜尚的《春天》对艺术的影响。

最终的问题是:“我们所珍惜的东西的本质是什么，如何去衡量和评价？”所谓的艺术谎言是被欺骗的真相还是真实的谎言？

本书作者提出了“艺术转型”和“现代艺术的自由”两个观点。我们都有接受或拒绝、相信或不相信的权利，但真正有意义的对话在于你自己，你的期望、要求和愿望是什么，作品是否能传达体现、传达内涵。艺术中的谎言和真理需要我们自己的时间和努力去挖掘和探索。

9.24第四天

在最困难的基本要素的第一部分结束后，更容易的旅程开始了。第二部分叫做:近距离接触。作者通过对十部作品的解读，为我们解释了他是如何解读艺术的。

今天，巴尔蒂斯的《猫和镜子I》和米歇尔的《两朵向日葵》的作者称它们为觉醒和感知。

《觉醒》，巴尔蒂斯的《猫和镜子I》，这是一部具象化的现代作品，确实有很深的文艺复兴的痕迹。觉醒是一个比喻。作者通过这部作品，在一幅画面中传达了青春的觉醒，童年与成人的“推拉”。第一眼给我印象最深的是颜色，颜色传递的情感——蓝色衣服的部分，坚硬的“硬如切割的蓝袍”；红色的毛毯床垫部分，像是童年的一场火热而美好的梦；黄镜部分，像是现实与过去的想象分界线，似乎是一个世界与另一个世界的连接点。

作者在这部作品中也读到了一些“俄狄浦斯式”的谜团，我并不理解。作者认为，一个好的东西或作品，可以直接观看和凝视，神秘的力量最终会唤醒你，体会到来自陌生和诗意的诱惑。

巴罗斯皇帝本人是现代艺术的觉醒，你可以了解他的代表作品《照镜子的猫》、《飞蛾与画家和模特》。

(巴尔蒂斯专题网站)/名家/26415/艺术-P2/？

第二部作品是米歇尔的《两朵向日葵》，作者将其命名为《感知》。

这是一幅抽象画，而且是以自然为主题的抽象画。第一眼看上去也是一种颜色的感觉。首先是色彩的多重交织，橙、黄、绿、粉、棕、蓝的丰富与热情，用作者的话来说就是“各种颜色重叠碰撞的炼狱。”大面积的橙色冲击，感觉我们仿佛躺在一大片向日葵的海洋里，仿佛看到了它的整个生长过程，从发芽到开花结果，伴随着太阳一天天的旋转，最后收获了很多瓜子，哈哈哈。复式绘画有其独特的魅力，即可以看作是一幅整体绘画，也可以看作是两个独立的个体紧凑在一起。

也是我看不懂的隐喻部分。本书作者介绍，双画本身就有祭坛的意义，宗教绘画推崇神话、生命、光明、神性、牺牲和重生。在《两朵向日葵》中，这本书的作者感觉生机勃勃，色彩鲜艳，气势磅礴，就像看到了太阳神阿波罗。同时，这么多相互冲突的色彩的摆放，真的是令人陶醉，这种感知就是无尽的美。

补充一些书外的小知识，琼·米切尔(Joan Michel)是德·库宁同时期的画家，但成名要晚很多。然而在2018年，一幅名为《蓝莓》的画作估价500-700美元，以1660美元成交，开启了她人生的巅峰。她本人是文艺复兴以来50多位女性艺术家之一。

同时，米歇尔最好的朋友是弗兰克·奥哈拉，纽约著名诗人。她有一部基于奥哈拉诗歌的作品，叫做《欢乐颂》。

9.25第五天

今天也是两部作品，让《Alp的成长》和《Terrell的绝对清晰》的作者们叫成长和点火。

第三部作品《成长》与上一部不同。它不是一幅画，而是一件汉白玉作品，成长。作者在这里暗示的成长，给我的感觉就像是在说，认识艺术的过程也是一种成长，从油画到素描、拼贴、版画、浮雕、雕塑等等。，而且这也像是说，一个人的童年到成年，无论体型还是心理经历，都发生了很大的变化。它更像是一个小蓓蕾变成小蓓蕾的过程的隐喻。虽然还没有开花，但离含苞待放的状态还很远。从绘画到石雕，就像一个萌芽的过程变化，是从二维空间到三维空间的成长。

本书作者是生物拟态抽象建模的倡导者，对花卉、动物、水果、人体躯干等都有过描述。作者自己对成长的解读很多，也很到位。感觉是他特别热爱的作品。

？我自己也很喜欢这部作品，可以和作者有很多感触。那我也说说我的感受吧。在我看来，这一对成长描述的是一个人，从大腿开始长大，到光滑的背部和胸部，再到上半身。我不太明白。这是什么？我理解人的嘴和脑，一个负责对外说话，一个负责内部管理。在大脑的两端，一个是尖的，一个是圆的，这意味着有时候我们需要学会圆滑地处理事情，但是有些原则必须是有竞争力的。在成长的过程中，外在和内在的处理带来的纠结和矛盾，这样的直和弯，都体现的淋漓尽致。在这样的变化中，未来会发生什么？也许会更扭曲，也许会长得好，是无尽的想象。

第四件作品《点燃》是一种绝对清晰的体验，也是《在光中》展览的一种空间体验。换句话说，就是一幅画，一个雕塑什么的，是你用光的感受形成的作品。这是一次四维体验，一起点燃自己。

首先，在参观这个设备时，参观者需要先在一个房间里等候。参与者将首先看到一个预览，并知道他们将经历什么。

然后，走出房间，穿过台阶，到达真实体验的空间:

这是我第一次在看书的时候感受到光的力量。在此之前，更多的是色彩。光线结合空间，简直让人目不转睛。这种感觉，怎么说呢，就像是置身其中，不仅让我感到心安，而且用本书作者的话来说，叫做“纯粹而简洁，纯粹到你觉得它们几乎是无声的”，让人陶醉，另一方面又让我感到沸腾而兴奋，狂喜而喧闹。即使是不懂艺术的人，此刻也会觉得自己被点燃了，尖叫起来。话不多说，我们可以通过一些作品感受一下:

特雷尔被视为千载难逢的“光之艺术”大师，他拥有无与伦比的史诗巨作——罗登陨石坑。1977年，他买下了美国西部沙漠中的一座死火山，开始了他近40年的艺术创作。他通过精密的计算和巧妙的设计，把它变成了一座巨型的肉眼观测天文台，一座地球艺术的丰碑，正如电影宗旨所说“不要试图去理解它，去感受它”。我们可以感觉到:

9.26第六天

今天的两个作品，保罗·克利的《黄色符号》和阿布拉莫维奇的《发电机》，被本书作者称为《进化与互动》。一幅油画，一次不看不听的经历。

首先，我们来看看被称为“进化”的作品《黄色符号》，以及它为什么是进化。当我们从第一章开始，了解色彩的时候，我们看到的第一幅画是保罗·克利的《咆哮的狗》，我们也用了克利的经典描述“线是一个跑出去散步的点”。然后我们经历了觉醒、感知、成长、点燃，然后回到保罗·保利的画中，重新认识色彩和线条。

首先，我们可以看到颜色的多样性:整个色阶的各种黄色，以及用于过渡的金色、橙色、红橙色、棕褐色。此外还有各种各样的联想:黄色亚麻布、沙漠地貌、向日葵田、启蒙卡片、降临节日历甚至埃及纸莎草卷轴。最后，隐喻的多样性:创造、写作和文明诞生的过程，以及人生道路上的所有阶段。作者让我们深刻理解了现代抽象艺术的魅力。关于生命、潜力、意图和自由意志的力量的一切都可以嫁接、再造、重新定义和再生。

直到这一刻，我感受到了真正的与艺术的相遇，我开始理解作者在第一章所说的，那是一种全心全意与艺术接触、交融的体验，在这个过程中，我可以看到“色彩、造型、空间、重量、节奏、音色、音色、结构”。我还能感觉到身体，我能理解作者对黄色符号每一句话的理解，还有* * *声。除了激动，我可能说不出别的了。这种感觉无以言表。我终于进化了！

然后是阿布拉莫维奇的互动发电机。艺术家本身就是行为艺术的代表，但虽然是互动的，但作者认为他是在寂静的黑暗中的一种自我释放和反思。此时此刻，语言成了不必要的“非必需品”。

这不是我们传统的作品，这是一场展览，一场奇特的体验盛宴，不是视觉，不是听觉，而是精神和心灵。正如作者自己所描述的那样“脆弱、无助、不知所措和困惑”...突然的恐慌、不适和焦虑。”

《纽约时报》的肯·约翰逊(Ken Johnson)将自己的作品解读为对现实社会的隐喻:“在明亮的空间中被蒙上眼睛、人为失聪，类似于人类在某些现实中的典型感受，因为某些现实的深度和广度超出了大多数人的认知和理解能力。当你摘下眼罩和耳机，你的处境就变得清晰了，仿佛你在精神上得到了开悟。”

9.28第七天

今天是第七和第八幅画，旅程，理查德·塞拉的扭曲的精神和椭圆，刺激，和罗伯特·戈伯的无名的腿。

艺术的衍生范围越来越广，就像一场美丽的旅行。而塞拉的旅程并不美好，却很精彩。这本书的作者感觉像是被某种力量推过的管道路径，也像是消化道或者子宫腔。孤独而狭窄，我觉得自己像一只鼹鼠，在地下越钻越深。就像一个人黄昏在森林里的感觉，所有的器官都变得敏感，寻找它们，寻找新的自我，获得新的开悟。这样的旅程甚至令人难忘。

另一幅画《戈贝尔的无名之腿》受到杜尚《喷泉》的影响，它给出了一个刺激感官的明喻，裸果的誓言与世界抗争。用作者的话来说，“我们好像受到了刺激，感觉自己卡在了喉咙里。”更有趣的是，无名腿的展览名为“心不是隐喻”。

这本书的作者说，当它作为一部独立作品呈现时，那条无名的腿仿佛被遗弃了，显得孤独而凄凉。让我想起了我们在街上逛街时采访的那位老人的感受。我们问他，看到这个作品有什么感受？老人说，我觉得他找不到家。

我们感受到了艺术家的“谎言”和来自艺术家的挑衅。这种带有强烈情绪的讽刺和感觉，就像当代艺术家世界的幻肢——被切断了，但感觉还在。最后透露出一些压抑或者悲伤，令人兴奋，也留下了一些回味。

9.29第八天

今天是这本书的最后两章，最后两部作品。

首先是理查德·塔特尔的《带蓝光的白气球》，作者称之为质变。

这个场景的感觉很奇怪，像是一个学前儿童的艺术，像是一些没有完全布置好的装置。考验的不仅是细心观察琐碎事物的耐心，更是发现生活中无处不在的美。

这个白气球简单而普通，但在合适的场馆环境和情境下，它超越了自身的价值和意义。塔特尔通过他的作品提醒我们，要看到平凡的事物、被鄙视的事物、无足轻重的事物、被忽视的事物中所蕴含的纯粹与美好。

这种“质变”，我认为是艺术的延伸，模糊了艺术的崇高边界，与环境相适应。这种“质变”更加生活化，也以数量级和指数拓宽了艺术。

第二部作品是杰里米·布莱克的《温彻斯特三部曲》，这本书的作者变成了“被淹没”。有很多艺术家叫杰里米·布莱克，有历史和文学，这位是实验电影艺术家。这部作品拍摄于2005年，由三部独立短片组成，《温彻斯特》、《1906》、《21世纪》。这部作品的主角是主人莎拉·温彻斯特的神秘豪宅。这座豪宅有160个房间，名字也是温彻斯特。它位于加利福尼亚州圣何塞，并于2005年在旧金山进行了现代化改造。

同年，他还入选参加文艺复兴协会群展《所有漂亮的尸体》。如今，他的作品被纽约现代艺术博物馆和旧金山现代艺术博物馆收藏..

网上评论对比了他的大部分作品后发现，形式与色彩的属性、动态的属性、未来的属性是这位艺术家最想留给大众思考的三个方面。“形”与“色”的混合所放射出的情感，才是他最想传达的。

这种沉浸感和以往的展览体验是不一样的。它是电影艺术方向的延伸，是《彩虹下潜》，是对女主人莎拉·温彻斯特的探索。

9.30结论

最后，作者再次表达了自己对艺术作品的感受，就是抛开一切杂念，去感受。我一个学艺术的朋友也告诉我，如何从创作背景和表现手法上理解艺术作品，从历史背景上解读。艺术作品和文学作品、音乐作品一样，也会从创作背景、表现手法等方面分析作者的心理。他的原话如下:

一、创作背景，我们需要了解艺术家当时所处的环境、状态、历史背景、社会状态(欧洲一般和宗教有关)；首先明白为什么要创作，先了解艺术家所处的环境了解艺术家的想法；分析一个作品，就是分析艺术家的想法；没有人能完全理解一个艺术家的想法，只能从他对艺术家的理解去接近他的想法。

第二？创作过程？，从创作技法、色彩、构图、造型；分析艺术家想要表达的一些想法；一件作品之所以能被称为艺术品，不仅仅是因为它画得好，还因为它的内容。画得好的作品有很多，但能成为艺术品的不多，画得再好也只能算是欣赏而不是艺术品..

最后，让我们以本书作者兰斯·埃斯普兰的一句话来结束: