懂漫画？-?斯科特。麦克克劳德

漫画:有意识地安排画面和其他形象的并置，用来传递信息或激发观众的接受审美，是一种连续的艺术。

漫画长期以来被认为是一种低级的消遣方式，认为它的受众只是孩子和一些没有长大的成年人。其实它的历史甚至可以追溯到古埃及的工作壁画，现代的漫画早在20世纪就出现了。与20世纪初出现的电影相比，动画片与它们的区别并不本质。电影是一种高频率的连续画面，也是一种连续艺术..

“我们定义漫画的努力是一个持续的过程。不管最后结果如何，都会被下一代否定，漫画会被重新创作，下一代也会面临同样的情况。”

第二，漫画词汇

图标:用来代表一个人、一件事或一个想法的图形。

其中，有用于表达概念和哲学的符号，有用于语言、自然科学和交流的图标，还有称为图片的图标，即用于再现一个物体的图形。

现实与抽象的不断变化，表达了画面描写的具体变化。越抽象，我们越容易弥补。

我们人类是一个以自我为中心的物种。我们在一切事物中看到了自己，我们在没有位置的地方强加了我们的身份和感受。当你看着一张照片或逼真的肖像时，你会以为你在看另一个人的脸，但当你进入卡通世界时，你看到的是你自己。动漫就像吸尘器，吸走了我们的身份和自我意识。我们不只是旁观者，而是要了解它，自己成为它。

就像我们在开车的时候，会觉得整辆车不仅仅是视觉和听觉的感性部分，而是一直存在于我们的脑海里。汽车成了我们身体的延伸，它吸收了我们对自己的认识，我们成了汽车。所以两车相撞，被撞的司机总会说一句“喂！他打我！”

我们生活中的所有经历可以分为两个领域:思想领域和功能领域。我们的身份总是属于思想的世界。它们看不见，听不见，闻不到，摸不着，尝不到。它们只是概念。而其他的一切，在一开始，都属于功能世界，在我们之外的世界。我们逐渐进入超越自我的领域，通过视觉、嗅觉、触觉、味觉、听觉来感受自己的身体和周围的世界。一旦我们发现物质世界中的物体也可以穿越并产生自己的身份，或者作为我们的延伸和扩展，我们开始点亮我们借给它们的生命。

通过给物理世界重新一个概念上的外观，漫画把自己定位在这个概念世界里。通过传统现实主义，漫画家可以描绘外部世界，而通过漫画，他们可以描绘内部世界。当整个故事都画上漫画，故事世界就会变得活灵活现。无论是哪种媒体，观众是否有参与感，取决于观众对故事人物身份的代入感程度。卡通风格天生具有这种生成观众身份认同的特性，这也是它能够轻易占领全世界流行文化的原因。

另一方面，墙壁、风景等。不需要观看者的身份，所以背景图像趋于相对真实。比如比利时漫画家埃尔热的线描风格《丁丁历险记》，就采用了非常标志性的人物和非常写实的画面背景相结合的方式。这种组合让读者戴上角色面具，真正进入一个感官模拟世界。

日本漫画在这方面比欧美走得更远。

漫画(或任何视觉艺术)的整体画面词汇:现实、语言和画面平面本身。在这里，真实是指漫画家用不同层次的抽象图标，让人们体验真实的感官世界。语言以最抽象的形式表达了非图标范畴，而图像平面则表达了自身。

漫画词汇表

当一个画家被画到这个图的一个顶点时，也可以看出他的价值观和对某一种艺术的忠诚，左下角附近的那些画家可能对自然之美感兴趣。对右边的人来说，这是思想之美。

漫画作为一种成熟的媒介，必须能够表达每一个艺术家内心深处的需求和想法。

“整个视觉艺术的历史都属于这个空间(三角词汇表)。莫奈把画架立在左侧，蒙德里安在上方，伦勃朗在左下角，马蒂斯在上方中间。而几乎每一次运动和宣言，都只是在这片土地的一小部分插上旗帜，宣布自己的发现。

它没有生命，除非你给予它。"

第三，漫画的语法

“当我很小的时候，在我反复做的白日梦中，整个世界对我来说只是一出戏。当我没有出现看到的东西，他们...不复存在。”

我们都是通过感官体验把世界理解为一个整体，但我们的感官只能展示世界的不完整片段。我们对“现实”的感知是一个信念函数，只是基于不完整的片段。

这种把被观察部分理解为一个整体的现象——感知的接近性。

在这个不完整的世界里，我们必须依靠封闭的感知才能生存。仅仅是一个形状和轮廓就足以引发封闭的感知，一个破碎的黑白半色调图案，我们的大脑可以将其转化为一张“逼真”的照片。在电影中，我们将视觉接收到的一系列静止图像转化为动态故事。

在作为交流和表达媒介的漫画中，观众是一个积极的、有意识的合作者，而感知闭合是变化、时间和动态之间的中介。

细胞间的空白——漫画核心的神奇神秘的主人。

在这个被遗忘的过渡地带，人类的想象力将两个分离的形象转化为一个统一的概念:“那里一定有什么，一定发生了什么！”

漫画细胞割裂了时间和空间，形成了不连续瞬间的断奏，知觉闭合让我们将这些瞬间连接起来，在闹钟中建立起一个连续统一的现实世界。

如果说视觉图标解读是漫画的词汇，那么封闭感知就是它的语法，漫画就是一门封闭感知的艺术。

在细胞的世界里，读者是漫画家的帮凶，读者做好主动关闭感知的准备，这是漫画模拟时间和动态的基本手段。

漫画之间的过渡基本上可以分为几种完全不同的类型:

1，时间-时间转换

2.行动-行动过渡

3.对象-对象转换

4.场景-场景转换

5.视角-视角转换

6.无关过渡

2-4用简洁有效的方式表达事物的发展。1类型表示类似于第二种类型的动作，但是它需要更多的单元来完成第二种类型的转换对两个单元所做的事情。5/6过渡，完全没有故事。

不管是什么过渡类型，都会帮助我们找到单元格之间的意义或者* * *关系，甚至是一些最复杂的组合。不同类型的转场在不同漫画家手中的使用分布基本相似。但是，如果我们做一个更大的比较，我们会发现，东方和西方的漫画家对使用不同类型的过渡有不同的理解。

欧美漫画家对过渡字体的运用

视角-视角转换在日本动画片中有着稳定的地位，大多是用来建立一种对环境的情绪或感受。时间似乎在这些沉默和沉思的结合中停止了。

日本漫画家对过渡类型的使用

西方传统艺术和文学不喜欢走弯路，是一种目的性文化。在东方，有着丰富曲折的艺术传统。与世界其他地方相比，日本的漫画更像是一种音程艺术。

艺术作品中的空白是作品的一部分，也是实际内容。几个世纪以来，这个概念一直是东方文化的特征。在绘画中更注重形式与背景的关系，以及属于“阴”的空间。在音乐上，西方古典音乐传统强调旋律和和声的连续性和连接性，而东方古典音乐同样看重“静”的作用。

前一两个世纪，西方文化席卷东方的同时，东方和非洲的破和节奏的概念也席卷了西方。在视觉艺术领域，这种影响是强烈而持久的。在西方艺术传统中，前景物体的首要地位和色调的连续性让位于打破和对画面的新理解。

在漫画中，你也可以简化内容，增加内容，找到这种奇妙的平衡对全世界的漫画家来说都非常重要。为了达到这种平衡，作者有规律地想象读者的体验，通过根本很少展示某个特定场景，只给读者留下线索，漫画家可以在读者的想象中衬托出任何画面。

但这还不是全部的秘密。

漫画是单一的感官媒介，仅依靠多种感官中的一种来传达经验中的世界。但是其他四种感官呢？——在这些细胞中，我们只能传递视觉信息，但在病例之间，我们不需要任何一种感官，但所有的感官都被激活了。

图标式的图像有助于读者的想法轻松地在概念场之间流动，而现实的图像则不可能如此简单。

“漫画的创作者邀请我们参加一场无声的舞蹈，舞伴有看得见的也有看不见的，有看得见的也有看不见的。

这种舞蹈是漫画所独有的，没有其他艺术形式不仅给予其观众很多，而且要求观众同样的回报。车厢之间发生的事，是一种只有漫画才能创造的魔法。

在我的工作室里，我试图控制那个过程，用它来完成我的工作，但我只能指明方向，却不能带你去你不想去的地方。我能做的就是对你做各种各样的假设，祈祷这些假设是正确的。正如我们每天所想的，生活不仅仅是眼睛所看到的。

只要你给我一点信任和一个想象的世界。"

第四，时间构成

画框在漫画中起到了时间或者空间划分标记的作用，一个寂静的细胞真的可以说是描述了一个单独的瞬间。但在漫画中，时间和维度的长短更多的是由画面内容决定的，而不是画面本身。

在学习看漫画的时候，我们都学会了从空间去理解时间，因为在漫画的世界里，时间和空间是一回事。

但问题是我们没有单位换算表。

在大多数情况下，只要序列中的元素为我们所熟悉，估计一个序列的时间长度并不困难。但是如果创作者想延长某个场景的停顿时间，应该怎么做呢？

一个显而易见的方法是添加几帧。

加大网格间距怎么样？

现在我们有几种方法:改变框架的内容、数量和间距。

还有，镜框的形状也能改变我们对时间的感知，甚至一个无框的镜框也能起到持续时间的效果。

如果无声帧不表示时间的长短，也能表达出时间的延续感。因为它的不确定性，这样的画框才能留在读者的脑海里，在它背后的画框里依然能感受到。

当使用“出血位置”时，这种效果会得到改善，例如，一个框架超出了页面的边缘。

但与其他媒体不同的是，在漫画中，代表过去的上一格和代表未来的下一格，对于观众来说，不仅仅是回忆，过去和未来都是真实可见的，围绕着我们。你的眼睛聚焦的地方，就是你现在，同时，过去和未来的风景也被你的眼睛看到。

很迷人，不是吗！

时间和漫画的互动通常会引出两个主题:声音和运动。

声音可以分为两类:文本气球和声音效果，这两种方式都可以增加细胞的时间长度，部分原因是因为声音本身的性质可以引入行为和反应。

运动也分为两类:细胞间的封闭感知；细胞内的运动。

除了增加连续图像的数量，还可以用未来主义画家的动态运动和杜尚的简化图形理论之间的“运动线”来表达运动的主题，还可以在连续的背景上放置一个移动的人物，等等。

一切都取决于你头脑中的框架。

“漫画读者习惯了其他媒体和“实时”日常生活的线性过程，就像从A到b的一条直线，但一定要这样吗？

漫画能不能处理好这个问题，对漫画未来扮演什么角色意义重大。而这，只有时间能回答。"

动词 （verb的缩写）线条的生命

画面能引起观众情感或感官反应的原理是漫画的命脉。就像时间和运动一样，感官和感觉的无形世界也可以在画面之间描绘出来。

19世纪末20世纪初，印象派终于让同伴们相信，他们看到的世界只是世界的有形形式，其余的无形世界开始出现在人们面前。

在爱德华·蒙克(edvard munch)和文森特·梵高(Vincent Van Gogh)的作品中，主流印象派所重视的对光的客观研究被抛弃，随后创造了一种新的可怕的主观技术。顾名思义，表现主义作为它的出发点，并不是一种表现自然科学的艺术，而是忠实地表达这些画家心中无法控制的骚乱。

新世纪之初，像沃里克·康定斯基这样的酷派理论家对线条、形状和色彩产生了极大的兴趣，它们展示了画家的内心状态，刺激了五官。他们想找到一种方法，把不同的艺术形式和不同的感官统一起来，这可以叫做“联觉”。

虽然很少有漫画家自称为表现主义者，但不代表他们分不清这些线条的特点。

事实上，从这些画面中的生活线条中，我们可以看到形式化语言的原始源头，可见世界和不可见世界的界限变得越来越模糊。

文字和其他任何视觉符号都可以更有力、更完整地描述属于感官感受的无形领域。文字可以让看似中性的图像充满感情和体验，而图片则可以给意义明确但循序渐进的文字提供直接的冲击。

“漫画所表现的其实是无形的艺术，在这里，你所看到的并不是收入，因为你所看到的(和现在正在看的)一切都只是纸和墨。最后，你付出的就是你能得到的。”

不及物动词演示和描述

交替使用哪种语言和形象不重要，重要的是能表达清楚。

长期以来，传统思想认为真正伟大的艺术和文学作品之间有明显的界限。事实上，据我们所知，图片早在文字出现之前就出现了。在大约15000年前的洞穴壁画黄金时代，其中一些表现出对细节的把握，特别强调画面与描绘对象的相似性，但另一些则非常具有标志性，更接近符号——比画面更接近原始状态的语言。到19世纪初，西方艺术和文学已经完全分离。前者醉心于光、色等有形事物的再现，后者则蕴藏着丰富的无形宝藏:感官、感情、精神、哲学。...

对于一张图片，如果你想继续前进，你必须到金字塔的顶端。文字的意义并没有被作家抛弃，反而变得更加直接、简单、快捷，更像一幅画。

文字正朝着与画面和谐的方向发展，达达主义、未来主义、现代画家的作品打破了形象与意义的界限！

现代漫画，产生于一个艺术和文学即将改变定位的时代，本身就很有意思。

但只要我们还把漫画当成一种写作风格或者绘画风格，漫画被视为低级的观点就永远不会消失。

“漫画是一门讲故事的艺术。

漫画里，文字和画面就像一对舞者，时不时交换着领舞的位置。当合作者意识到他们的角色并给予彼此力量时，漫画就可以与他们从中汲取力量的艺术形式相抗衡。"

七、六条规则

漫画有一些和其他艺术一样的属性，这里的艺术来源于除了我们这个物种的两种本能——生存和繁衍之外的所有人类行为。因为它独立于我们与生俱来的本能，艺术让我们坚守自己的个体身份，摆脱自然赋予我们的狭隘角色。

当然，从进化的角度来看，天才的本性也使艺术有其用途:

首先可以锻炼身体磨练意志，抵抗外界刺激——后来就变成了运动和游戏。

其次，它可以提供一个释放感情的出口，有利于人类在精神上的生存——艺术成为自我表现，艺术家成为英雄，这是它的最高目标。

第三点对于种族的生存尤为重要:有用的意想不到的发现——艺术作为一种创新的发现，可以追求真理，探索未知，并演化为现代艺术的灵魂和语言、自然科学、哲学的基础。

“纯”艺术本质上离不开目的问题——你想要什么样的艺术。在漫画中，存在着与艺术、文学、戏剧、电影、雕塑或任何艺术形式相同的问题，因为所有媒体中的所有作品都遵循着特定的路径:

1.观念/目的:作品的动力、观念、情感、哲学体系、目的——作品的“内容”。

2.形式:它所采取的形式。

3.风格:艺术的“流派”，主题，绘画风格或表现方式。

4.结构:包括什么和删除什么，当它被组织在一起时，如何安排和协调这项工作。

5.工艺:构造作品，应用技能，实践知识，创造，排除问题，完成工作。

6.表面:成品的价值，完成这个作品的第一印象。

艺术的核心问题是:我想做什么？-1，概念/目的；2.形式。

当一部作品被形式所统治的时候，它的核心可能看起来有一些人为的痕迹，比如无籽果。但是，这样的作品不具备艺术形式。如果我们询问我们的基本假设，我们可以预见一个未知经验的世界。

当一部作品被概念所统治，其形态被确定后，漫画可以帮助这些概念生根发芽，然后这个循环又会重新开始。

八、谈色彩

漫画和色彩的关系可以用两个词来概括:商业和技术。

色彩使描写的主体客观化，作为环境比黑白画更容易识别对象的物质形态，唤醒记忆，唤起感情。

黑白和彩色漫画的区别既广又深，影响着阅读体验的每一个层面。

在黑白漫画中，艺术背后的概念可以更直接地传达，意义超过形式，艺术接近语言。

在平面彩色漫画中，形式本身更重要，世界变成了形状和空间的游乐场。并且通过更有表现力的色彩，漫画可以通过色彩成为一种令人陶醉的情感环境。

“但漫画读者追求的是很多真相之外的东西，没有足够的技术支持，彩色漫画永远无法完全取代黑白漫画。但有一点是肯定的，如果使用得当，漫画中的色彩可以——就像漫画本身一样——远远超出简单组合的结果。”

九，适合它

为什么漫画这种媒介如此重要？为什么我们要花这么大的力气去理解漫画？

我认为答案就在人类环境的深处。...

我们都生活在与世隔绝的状态中。没有人知道发自内心的你是什么感觉。没有一种沟通方式能让他们充分体会到你的感受。所有的信息媒体都是我们无法直接交流信息的可悲副产品。

可悲的是，没有错。

因为人类历史上几乎所有的问题都来源于沟通的失败。

每种媒介都是思想之间的桥梁。

媒体将观念转化为可以穿越物质世界的形式，再从一种或多种感官转化为观念。

在漫画中，这个转化过程是从手到纸，从眼睛到思想。

理想的艺术家的“信息”可以毫发无伤地穿过枪林弹雨，但实践中很少是这样的。问问任何一个作家、导演、画家，一个作品在多大程度上反映了他的原创思想。

这个比例可以通过掌握这个媒介来提高，这说明了艺术家的观念在这个旅程之后的存活率。或者说对于某些艺人来说，多少不可避免的弯路被他们善加利用。

我之前说过，我相信我们都有话要对这个世界说，我也深信所有内心真实的想法都有其内在的价值。

只有一种力量可以打破艺术家和观众之间的隔阂——理解的力量。

理解漫画是一个严肃的问题。

卡通是当今大众媒体中能听到个人声音的少数形式之一。

无知的壁垒阻止了如此多的人类清楚地了解彼此，只有通过交流才能打破，而交流只有在我们都理解这种交流所采取的形式时才能有效。

我花了15年试图理解漫画，以下是我目前为止的结论:

理解漫画的第一步是清除我们头脑中所有关于漫画的先入为主的观念。只有重新起草，才能发现漫画可能提供的所有可能性。

这意味着要学会把漫画的形式和内容分开。

漫画最好的定义，我觉得也是最贵的一个:没完没了。

漫画是一种基于视觉的媒介，视觉图标的整个世界都由漫画家主导，包括整个范围的画面风格，从现实的具象艺术到最简单的漫画，再到完全的抽象，以及符号和语言的无形世界。

纵观其历史，漫画控制了漫画的力量，导演了观众的参与感和认同感，写实的艺术，从而捕捉到了可见世界的美好和复杂。

借助封闭感知，可见与不可见的二重奏是漫画的核心。

作者和读者也是看不见的伙伴，不断从零开始一起创作。

漫画是一种平衡的表演，是一种消极和积极的艺术，是一种时空多变的两步舞。

这种虚实平衡，在图片和文字之间最为明显。两者的分野从5000多年前开始的艺术出现就被预见到了，并在20世纪被人们兴奋地重新发现。

今天的漫画和她的隐形伙伴有着前所未有的默契配合，但是漫画的语言还在不断进化，就像所有的语言都必须进行一样，因为所有可见的世界画面都植入了隐形的种子，也就是表现主义和通感的种子。漫画进入下一个世纪，漫画家会追求更多更高的目标，而不仅仅是“最小公约数”。无知和短视的商业行为依然会一如既往的掩盖漫画的诸多可能性，但漫画的真实面目不会永远被遮挡，真相迟早会发光！

今天，漫画的可能性——和过去一样——是无穷无尽的。

漫画为所有的作家和艺术家提供了巨大的资源，诚意和控制力，可以不折不扣地被广泛倾听。它可以提供广泛的范围和功能，并具有电影和美术的潜在图像和文学的亲和力。

只需要被倾听的欲望，学习的决心和观察的能力。

这是我至今所理解的漫画世界。

“从我开始写这本书开始，我也学到了很多漫画，但我知道还有很多东西我没有学到。希望你能开始探索自己——或者继续探索漫画的世界。不管你是怎么看待漫画的——读者、作者还是商人——都有101种方式帮助漫画成长。请考虑一下。感谢聆听。”