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20世纪60年代中期,随着《音乐之声》(1965)、《日瓦戈医生》(1965)等一批电影的出现,好莱坞电影业呈现出一片繁荣景象。可惜好景不长,问题很快就出现了。昂贵电影的未来是暗淡的,因为过去购买这类电影的电视网络不再拒绝花大价钱购买这类电影。美国电影业平均每年损失几乎10亿票房人口(这个数字还不包括家用录像机普及后的更大影响),到1969,好莱坞平均每年损失超过2亿美元。
好莱坞制片人正在努力寻找解决方案。对策之一是为年轻一代制作“反文化”电影。也许最有影响力和最受欢迎的电影是丹尼斯·霍珀低成本制作的《骑行地球快乐》(1969)。然而,其他大量关于校园风潮和另类生活方式的电影并没有吸引更多的票房。真正帮助美国电影业复苏的是一批年轻导演执导的一系列有影响力的电影,其中最成功的作品包括:弗朗西斯·科波拉的《教父》(1972);威廉·弗兰德肯的《驱魔人》(1973);史蒂文·斯皮尔伯格的《大白鲨》(1975)和《第三类近距离接触》(1977);约翰·卡彭特的万圣节(1978);乔治·卢卡斯的美国风格绘画(1973)、《星球大战》(1977)和《帝国反击战》(1980)。此外,布莱恩·德·帕尔马的《黑天使》(1976)和马丁·斯科塞斯的《出租车司机》以及《愤怒的公牛》也被引用,这也吸引了评论家的好评。
这些导演和其他类似的导演一起被称为“电影界的年轻人”,逐渐取代了各大公司的老导演。这些年轻导演大多毕业于各种电影学院,如纽约大学、南加州大学和加州大学洛杉矶分校。他们不仅掌握了电影制作的技术,还研究了电影美学和电影史。与早期的好莱坞导演不同的是,这些年轻导演对电影史上的著名电影和导演都很熟悉,即使是没有进入电影学院的人也知识渊博,对经典的好莱坞传统充满钦佩。
就像之前法国的“新浪潮”一样,这些为电影疯狂的年轻导演们也拍出了一批带有强烈个人色彩的电影。这些“电影界的年轻人”沿袭了传统电影类型的风格,但加入了许多个性化的风格。例如,《美国风情画》不仅是年轻人喜欢的音乐剧,也是卢卡斯对20世纪60年代加州发展的反思。在电影《教父》中,科波拉深入意大利裔美国家庭,交织出其内心的欢乐与悲伤。编剧保罗·施罗德将自己对暴力和性的观察和思考融入了他的戏剧《出租车司机》和《愤怒的公牛》,以及他自己的电影《硬核》(1979)。
随着电影成为这些年轻导演生活的主要部分,许多新的好莱坞电影都是以旧的好莱坞电影为基础的。德·帕尔马的电影中有许多地方借鉴了希区柯克的电影,尤其是《第八部之边缘》(1980)显然是《惊魂记》(1960)的翻版。彼得·博格丹诺维奇的下一步是什么?(1972)是一部狂热喜剧,与霍华德·霍克斯的《养娃》特别相似。卡彭特对十三区的攻击(1976)可以追溯到霍克斯的《布拉沃河》(1932),其中的主要演员约翰·韦恩在霍克斯的西部片中也扮演了一个角色。
同时,许多导演也欣赏欧洲电影的风格。例如,马丁·斯科塞斯从意大利导演维斯康帝和英国导演迈克·鲍威尔那里学到了很多视觉表达。一些导演梦想借鉴欧洲模式拍摄复杂的“艺术电影”。这方面最著名的例子可能是科波拉的谈话(1974)。这个神秘的故事是基于安东尼奥尼的放大(1966),它试图统一现实和幻觉。罗伯特·奥特曼和伍迪·艾伦则是另一种方式。他们在欧洲电影的营养下充分发挥了自己的创造力。比如奥特曼的《三个女人》(1977)和伍迪·艾伦的《我的心》(1978)就深受英格玛·伯格曼作品的影响。
奥特曼和伍迪艾伦属于老一辈。然而,这个时代的成功导演却在这些“电影界的年轻人”中不断涌现。卢卡斯和斯皮尔伯格成为最强大的电影创作者。他们都投身于《夺宝奇兵》系列,并在好莱坞新生代中形成了鲜明的个人风格。科波拉没能保住自己的制片公司,但他无疑仍是最重要的导演。斯科塞斯的人气与日俱增。到20世纪80年代末,他已经成为在世的美国电影艺术家之一,也是最受影评人重视的人。
20世纪80年代,这些新的天才艺术家赢得了社会的认可,创造了一个新的好莱坞。许多重大影响来自卢卡斯和斯皮尔伯格,但也有许多其他成功的导演似乎更年轻:詹姆斯·卡梅隆的《终结者I》(1984)和蒂姆·伯顿的《蝙蝠侠》(。》(1988)。在《1993》和《1994》中,两部电影让好莱坞起死回生,它们分别是斯皮尔伯格的《《侏罗纪公园》》和泽梅基斯的《阿甘正传》。
主流商业电影的复兴也归功于一群来自好莱坞以外的电影艺术家,其中许多是来自国外的导演——英国的托里和雷德勒·斯科特;来自澳大利亚的彼得“威尔”和弗雷德“塞皮什;德国沃尔夫冈·彼得森;荷兰的保罗·瓦尔哈温;伦莱·哈莱姆和其他芬兰人。在20世纪80年代,更多的女性电影艺术家也成为了商业电影的成功领导者,如艾米·赫克林、玛莎·柯尼希斯和彭诺普·斯芬里斯。
一群原本是独立制作人的导演也制作了主流商业电影,利用媒体提供的资金让大众熟悉的电影明星成为可能。大卫·里奇从拍摄午夜电影《橡胶头》(1978)转向了相对经典的电影《蓝丝绒》(1986),而出生于加拿大的大卫·科恩伯格擅长拍摄小成本恐怖电影或惊悚片,如《颤抖》(1975)和《死亡地带》(1975)。“新好莱坞电影”也吸引了一些独立电影制作人中的少数族裔导演。王赢是一位成功的亚裔美国导演。她参演的电影包括《思念陈》(1982)和《烟雾》(1995),星火李的《梦想成真》(1986)和《梦想成真》。例如,雷吉娜·哈德林的家庭聚会(1990),约翰·塞恩莱顿的博伊斯和他的团伙(1991),以及马格里奥·派珀的新杰克城(191)。
当然,也有一些导演坚持走独立制作的道路,或多或少与制作公司保持距离,处于边缘地位。在《L Bi天堂是陌生的》(1984)和《法律之下》(1986)中,杰米·贾·穆什找到了一种叙事方式,通过移动镜头来展示古怪的白领工人;艾莉森·安迪探索了现代叛逆的年轻女性,她们要么生活在加油站的寄宿公寓(1992)这样的小镇,要么生活在米维达·罗卡(1994)这样的大城市中心;然而,莱斯尼·哈里斯的《IRT的另一个女孩》(1994)更像是在关注郊区有色人种妇女的问题。
从文体上讲,20世纪70年代和80年代没有独立的电影类型。这些年轻导演大多主要延续和发展了经典美国电影的传统,如继承了流畅的剪辑、清晰的时间变化和情节结构的发展。一些导演通过使用具有生命力的新视觉表达技术,丰富和加强了好莱坞传统的讲故事策略。自电影《大白鲨》以来,斯皮尔伯格有效地利用了从《公民凯恩》延续下来的深焦距传统。在《星球大战》的拍摄中,卢卡斯开发了电影微距摄影的运动控制技术,他的电影企业“电光幻影工作室”也成为新特效的领导者。随着“电光幻影工作室”(1LM)的加入,泽梅基斯在电影《阿甘正传》中使用数字技术创作影像,斯皮尔伯格和卢卡斯也率先使用数字技术改进声音技术并创作高质量的画面。
随着一些新进入者加入好莱坞,原有主流商业电影的传统形式、风格和叙事方法得到丰富和加强。从本书第11章关于星火李的电影讨论中,我们看到了一个具体的例子。另一个类似的例子是王赢的《喜福会》(1993),它发生在几个美籍华人家庭中,聚焦于四位移民母亲和她们四个美国化的女儿。为了展现这些女性的生活,本片遵循了《公民凯恩》中回忆段落的叙事原则。在影片中,三位幸存的母亲回忆了她们来美国之前的生活,并为她们每个人设计了一个相当长的闪回镜头。随着每个母亲的闪回场景,电影在情节结构中进一步设置了每个女儿在美国的生活经历的闪回,从而产生了一系列与现实和梦想平行的丰富主题。有时,母亲和女儿的并列产生了鲜明的对比,而在其他时候,她们被混合在一起以强调两代人之间的相似之处(图片12.35)。这些女性的画外音总是让观众感受到叙事之外的意义。此外,他们还让王赢和她的摄影师使用闪回传统手法来增强影片的情感冲击力。
比较程式化的动作是斯科塞斯的电影《出租车司机》、《愤怒的公牛》和《纯真年代》(1993),通过镜头移动和慢动作来扩大情感冲击。帕尔马甚至成为了一个更了不起的造型师,他的电影展示了长镜头、精致的结构和多相机拍摄设备。科波拉在《斗鱼》(1983)中实验了黑白色彩的快速转换,在单个镜头中使用了前景和背景中麦克风的说话声音效果,并通过《棉花俱乐部》(1984)中的旧特效传达了一个时代的情绪。
更具实验性的态度体现在另一组独立导演身上,科恩兄弟努力在每部电影中探索电影表现力的来源。在《上升的亚利桑那》(1987)中,前景和背景的高速跟踪摄影结合扭曲的广角特写镜头创造了漫画式的夸张风格(图12.36)。无论如何,类似的努力也出现在克雷格·荒木的公路电影《生命的终结》(1992)中。在《忠诚》(1991)这样的电影中,哈尔·哈特尔像一场流行的闹剧一样弱化了情节结构,通过缓慢而周到的特写镜头以及前景和背景的动态构图来表达情节结构(图12.37)。
对于该公司制作的电影来说,回归传统好莱坞是在20世纪70年代和80年代。这些才华横溢的年轻导演采用了经典好莱坞的规则来适应当代观众的兴趣。与此同时,这里形成了一个充满活力的独立制作传统,它在影迷、年轻观众和少数族裔观众中找到了自己的受众,并代表了一种试图在实践中追求与主流商业电影不同的体验和意义的亚文化。